UMÁTICA. Revista sobre Creación y Análisis de la Imagen
Umática es una publicación de acceso abierto centrada en el estudio y el análisis crítico de la imagen, la creación artística y la producción audiovisual, proponiendo un enfoque transversal desde una perspectiva interdisciplinar. Umática es una revista científica arbitrada cuya misión es publicar y divulgar textos y ensayos sobre teoría, arte, estética y cultura visual contemporánea dirigidos a investigadores e investigadoras del campo de la imagen, el sonido, el arte y la cultura visual. El perfil editorial contempla los procesos de creación, análisis y distribución de la creación contemporánea a través de los media y otros lenguajes híbridos posibilitados por la tecnología. Se proponen tres modalidades de envíos susceptibles de publicación una vez el proceso editorial y de revisión haya sido favorable: Artículos de investigación, Ensayos Visuales y Proyectos de Creación. Financiada por: Departamento de Arte y Arquitectura, Universidad de Málaga Publicado por : UMA Editorial (Universidad de Málaga) Diamond Open Access Journal Umática se encuentra indexada actualmente en: <a title="DOAJ" href="https://doaj.org/toc/2659-8574?source=%7B%22query%22%3A%7B%22filtered%22%3A%7B%22filter%22%3A%7B%22bool%22%3A%7B%22must%22%3A%5B%7B%22terms%22%3A%7B%22index.issn.exact%22%3A%5B%222659-5354%22%2C%222659-8574%22%5D%7D%7D%5D%7D%7D%2C%22query%22%3A%7B%22match_all%22%3A%7B%7D%7D%7D%7D%2C%22size%22%3A100%2C%22sort%22%3A%5B%7B%22created_date%22%3A%7B%22order%22%3A%22desc%22%7D%7D%5D%2C%22_source%22%3A%7B%7D%7D"> Umática en las redes:
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Migración y arte contemporáneo en tiempos turbulentos. Call for Papers nº 9
Derechos de autor 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El compositor italiano Luciano Berio (1925-2003) tituló una de sus conferencias «Ver la música» (1993-1994). Como ejemplo de esta visión sinestésica, tomamos como referencia un trabajo interdisciplinar, Moving Picture (946-3) Kyoto Version (2019-24), una instalación inmersiva en filme y música que, partiendo del cuadro de Gerhard Richter (Dresde, *1932) titulado Abstraktes Bild (CR 946-3) (2016), recreado cinematográficamente por Corinna Belz (Marburgo, *1955) y complementado a su vez por una composición de Rebecca Saunders (Londres, *1967), se llevó a término en el templo Kiyomizu-dera de Kioto en el año 2019. Richter siempre se ha sentido atraído por la música clásica: series Bach (CR 785) (1992), Cage (CR 897-1) (2006). Por su parte, Saunders ha manifestado su interés por la obra pictórica de Mark Rothko. El color rojo –Gerhard Richter, Red (CR 821) (1994), Abstraktes Bild (CR 849-3) (1997); Rebecca Saunders, Cinnabar (1999), Vermilion (2003), Crimson (2004/05)– se erige en un color simbólico común sobre el cual construir el tejido visual y sonoro. Tanto en la audición silente de Richter como en la escucha sonora de Saunders, el silencio constituye un referente esencial: «El silencio es el lienzo en blanco en el que el peso del sonido deja su huella» (Rebecca Saunders).
Derechos de autor 2025 Antoni Gonzalo Carbó https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Funcionalidad abierta: prácticas escultóricas en el espacio urbano contemporáneo
En el contexto contemporáneo, la presencia del arte en el espacio público ha evolucionado desde modelos simbólicos o monumentales hacia prácticas que habilitan nuevos modos de uso, encuentro y apropiación ciudadana. Este artículo analiza el concepto de “funcionalidad abierta” como categoría crítica para repensar las formas en que determinadas esculturas contemporáneas en el ámbito urbano activan posibilidades de uso no prescritas. A partir de una revisión bibliográfica crítica y un análisis comparativo de cinco casos de estudio recientes —obras de Llobet & Pons, Jeppe Hein, Basurama y Tercerunquinto— se propone una lectura progresiva de cómo la dimensión funcional del objeto artístico puede abrirse a experiencias participativas, sensibles y colectivas. El artículo no pretende establecer un modelo normativo, sino ofrecer herramientas para pensar el arte público como infraestructura afectiva, como escenario para nuevas formas de habitar la ciudad desde lo cotidiano y lo sensible.
Derechos de autor 2025 Carlos Muñecas https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Hibridación entre el arte y la moda: de la inspiración estética a la transformación digital
El texto analiza la relación simbiótica entre el arte y la moda, explorando cómo los artistas contemporáneos se insertan en el sistema de la moda y lo utilizan como un medio de expresión artística. Se analiza cómo la moda se inspira en movimientos artísticos y artistas contemporáneos, reinterpretando sus estéticas, y cómo los artistas utilizan la moda para comunicar ideas y desafiar los límites entre la funcionalidad y la estética. El estudio examina la influencia y fusión del arte en la creación de colecciones de moda, la transformación de los espacios comerciales en galerías de arte y la aparición de experiencias inmersivas en los desfiles. Se destaca el uso de las nuevas tecnologías, la sostenibilidad, la ética en la producción y la representación de la diversidad corporal como temas clave en la fusión del arte y la moda. Se presenta una investigación curatorial gracias al análisis de casos concretos de artistas y diseñadores que trabajan con la fusión entre el arte y la moda, marcando un distanciamiento con el arte textil. Además, el texto se sostiene gracias a una metodología historicista que busca comprender las complejas relaciones entre el arte, la moda y la sociedad contemporánea.
Fusión cultural; Arte y moda; Sociedad de la imagen; Sistema de la moda; Arte textil.
Derechos de autor 2025 Carlos Valverde Martínez, Rita Cisnal Herrero https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Versos ejecutables y comandos de colores: debates entorno a la poesía código
La poesía escrita en lenguajes de programación, llamada poesía código, pertenece a la literatura electrónica. En ella, quien lee se enfrenta al código fuente, no al resultado ejecutado. El debate principal dentro del «codework» gira en torno a su ejecutabilidad: si el poema puede ser interpretado por la máquina y generar un output. Tradicionalmente, se valora más la obra que compila y produce efectos visuales o verbales, pues articula procesos de máquina y lectura humana. Este artículo retoma la discusión a partir de ./code --poetry (2023) de Daniel Holden y Chris Kerr, que sostiene que toda lectura de pantalla es una lectura superficial, incluso cuando usa lenguajes de programación. Luego se explora su parentesco con la poesía concreta y el movimiento OuLiPo, destacando cómo al usar lenguajes diseñados para órdenes claras, la poesía código interrumpe su funcionalidad y revela la materialidad oculta de esas herramientas.
Derechos de autor 2025 María Garay Arriba https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Componer entre disciplinas: un elogio de lo antidisciplinar
La música contemporánea histórica (aquella que ha sido progresivamente institucionalizada y academizada desde 1945) ha mantenido un fuerte apego al concepto de música absoluta y su cierre unidisciplinar que, como tarde, habría sido definido a mediados del siglo XIX (Hanslick). El presente texto plantea y recorre posibles salidas de esta situación a través de diferentes maneras de relación entre disciplinas, y su correspondiente puesta en duda de aquellos paradigmas del hacer disciplinar definidos por Rancière en su texto “pensar entre disciplinas”: el territorio, la medialidad (objetos) y sus consiguientes métodos. Desde la idea cerrada de disciplina, se planteará, por tanto, un camino de relaciones definidas (unidisciplina, relación incidental, multidisciplina, interdisciplina y transdisciplina) que, en última instancia, llegará a su propia negación en la idea de antidisciplina, en tanto que un hacer consciente de los límites en los que se inscriben las diferentes disciplinas y que, desde esta consciencia, los borra deliberadamente en una búsqueda de un hacer más allá de las preconcepciones mediáticas, metodológicas y territoriales.
disciplina, multidisciplina, interdisciplina, transdisciplina, antidisciplina
Derechos de autor 2025 Alberto Bernal https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Este proyecto explora el origen, evolución e impacto de la Tetamundi, una obra creada en 2017 como parte de un ejercicio de diseño especulativo Teticéntrico. Inspirada en mitos sobre la creación de la Vía Láctea, convierte el pecho femenino en un símbolo planetario, desplazando narrativas patriarcales y proponiendo nuevos futuros simbólicos. Tras su aparición pública en el Benidorm Fest 2022 junto a Rigoberta Bandini, la Tetamundi se viralizó y se transformó en un icono colectivo, abriendo debates sobre autoría, apropiación cultural y poder simbólico. El proyecto se relaciona y dialoga con artistas que hackean objetos cotidianos para resignificarlos, activando discursos críticos sobre artefactos, cuerpo y poder. A través de la metodología Visual Archive Research, se analizan, relacionan y se extraen ideas de las imágenes, evidenciando cómo la Tetamundi trasciende de su contexto original para convertirse en un ente dinámico reconfigurado por las comunidades que lo adoptan y reinterpretan. Mediante su hibridación visual y simbólica, el seno planetario fusiona diseño, mitología, activismo y cultura digital, este enfoque se alinea con el espíritu de las prácticas híbridas contemporáneas, que desplazan las fronteras entre disciplinas y abren nuevas formas de expresión en el cruce de lenguajes y medios.
Derechos de autor 2025 Marina Salazar https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
«Pensar es un acto revolucionario»: las publicaciones de artista de Marie Orensanz
Tras comenzar su carrera como pintora en la década de 1960, en los años setenta y ochenta la artista argentina Marie Orensanz (La Plata, Argentina, 1936) creó, en paralelo a su práctica escultórica y pictórica, un número significativo de publicaciones de artista. Estas publicaciones, casi siempre editadas en pequeñas tiradas, fueron creadas en la época en que se expandía y ensanchaba el régimen conceptual que había comenzado a transformar las prácticas artísticas en Estados Unidos y Europa a partir de la década de 1960, momento en que numerosos artistas incorporaron a su trabajo formatos impresos entre los diversos soportes que empleaban para su trabajo. Este texto analiza las publicaciones de artista de Orensanz, que han permanecido relativamente desconocidas hasta el presente: ediciones de postales, carteles y libros que, además de estar estrechamente relacionadas con los dibujos, las pinturas y las esculturas de la artista, pueden y deben encuadrarse en la genealogía general del libro de artista y la edición experimental.
Orensanz; publicación de artista; libro de artista; edición experimental; manifiesto de artista
Derechos de autor 2025 Mela Dávila Freire https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Dentro de la gran cantidad de manifestaciones públicas que surgieron a raíz de la revuelta social de octubre de 2019, hubo muchas que recurrieron al texto escrito como principal soporte, a través de graffitis, impresiones sobre muros, proyecciones lumínicas y frases diseminadas por redes sociales. Con posterioridad surgieron muchos análisis críticos y recopilaciones de dichas expresiones, pero también compilaciones de lo que podría denominarse su reverso, como las polémicas declaraciones de políticos en los días previos al estallido. Dentro de este verborreico panorama, quisiera referirme al proceso de creación de mi libro La realidad es simple (2020), el cual está compuesto por una selección de declaraciones realizadas en el foro de Emol ante noticias de la contigencia política de las primeras semanas tras la revuelta. Estableceré comparaciones con otros modelos similares, como Diarios del odio de Roberto Jacoby y Syd Krochmalny, y me referiré específicamente a las opciones editoriales y su formato de circulación.
Derechos de autor 2025 Felipe Cussen https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Conexiones entre ópera, cine, vídeo-ópera y el audiovisual en la música contemporánea
En el contexto de un mundo híbrido y en continua transformación por el gran impacto de la tecnología y la revolución digital, se empezará por analizar dos formas artísticas interdisciplinares por sí mismas como son la ópera y el cine, explicando como estas se han fusionado a lo largo de la historia. Primero la ópera de vanguardia introdujo proyecciones o técnicas cinematográficas integrando la imagen de una manera totalmente nueva. Posteriormente, con el nacimiento y consolidación del cine sonoro, la ópera directamente será filmada y convertida en cine, aunque como se explicará, lo operístico ya está presente con el mismo nacimiento del cine. Estas dos opciones podemos entenderlas como antecedentes directos de un género reciente como es el de la vídeo-ópera. Otras opciones híbridas serán cuando el libreto de una ópera está directamente basado en una película, como también creaciones operísticas que introducen la pantalla dentro del escenario como elemento protagonista. Los límites entre géneros se borrarán al analizar otras propuestas audiovisuales que se desarrollan en la actualidad fuera de toda clasificación.
Derechos de autor 2025 Joan Gómez Alemany https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Imagen turbulenta / Sobre la memoria acumulativa de la imagen vídeo
Imagen turbulenta es una compilación inmersiva de fragmentos de recuerdos después del acto de deslizarse en una red social basada en el vídeo vertical. La interacción con el teléfono como dispositivo de consumo de imágenes deja al usuario con sentimientos encontrados por la superposición de tiempo y espacio: todo está pasando en todas partes al mismo tiempo y su ritmo nos afecta. Hay una sensación agridulce en aquello que nos mantiene atascados en el scroll. Las imágenes que tocamos se emparentan con nosotres, pero siempre como un recuerdo que ya se está desvaneciendo. Embelesades por este recuerdo basado en imágenes, la imagen turbulenta es algo que nos confunde, pero que al mismo tiempo no podemos dejar de mirar. Nos hemos acostumbrado a que todo esté en perpetuo movimiento, siempre en bucle — hay múltiples vídeos siendo reproducidos ahora mismo cerca de nosotros. Este ensayo visual pretende generar nuevas preguntas sobre cómo la era del vídeo vertical está afectando a nuestra concepción de recuerdo: ¿qué ocurre entre la imagen-vídeo y la consciencia?.
Derechos de autor 2025 Libe Belandia Juaristi https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El libro de artista en la era digital: nuevas hibridaciones y estrategias transmediales
El libro de artista ha evolucionado de ser un espacio de experimentación interdisciplinaria a un medio que cruza las fronteras entre disciplinas artísticas. Originalmente, fusionaba poesía visual, texto experimental y gráficos. Esta evolución continúa con la llegada de la tecnología digital, adoptando un carácter multimedia y transmedia que define el panorama artístico contemporáneo. La era digital ofrece nuevas formas de creación artística, aumentando la interacción y participación del público, redefiniendo la autoría, la materialidad y la relación del espectador con la obra. La aparición de formatos digitales como los e-libros y NFTs desafía el concepto tradicional del libro de artista basado en papel y en la forma de códice. Esta transformación promueve una democratización del arte, permitiendo mayor accesibilidad y distribución, y abriendo nuevas experiencias participativas no solo por el formato, sino también por los espacios donde se contempla. Los usuarios se convierten en co-autores de la obra, generando experiencias inmersivas y únicas. A pesar de los desafíos en la conservación, la expansión de los libros de artista digitales asegura que este género siga siendo relevante en la práctica artística contemporánea, a medida que también avanza la tecnología.
Derechos de autor 2025 Virginia Pérez Nieto https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cuerpos implicados: sensibilidad expandida y experiencia estética en el arte híbrido
Este artículo examina cómo las artes híbridas contemporáneas reconfiguran la experiencia estética mediante una atención trastornada, el descentramiento de la mirada hegemónica y una implicación activa del cuerpo. Desde una perspectiva transdisciplinar que articula estética, filosofía, teoría queer, ciencia y posthumanismo, se argumenta que estas prácticas desestabilizan jerarquías disciplinares, sensoriales y epistémicas. A partir de los aportes de Judith Butler, Walter Benjamin, Claire Bishop, Karen Barad y N. Katherine Hayles, se analiza cómo la atención, la percepción y la subjetividad se ven afectadas por regímenes visuales, tecnológicos y afectivos que colonizan la imaginación y el deseo. Frente a ello, las artes híbridas se presentan como zonas de aparición de lo reprimido: saberes no normativos, cuerpos disidentes y materialidades impuras. Estas prácticas, lejos de promover la contemplación pasiva, activan una sensibilidad encarnada, opaca y relacional, capaz de resistir la captura capitalista de la atención e imaginar otras formas de existencia. La potencia crítica de las artes híbridas reside precisamente en su capacidad de incomodar, desbordar y reprogramar sentidos. En este contexto, el cuerpo deviene interfaz viva y política, donde percepción, afecto y conocimiento se entrelazan en una experiencia expandida del mundo.
Derechos de autor 2025 Júlia Lull-Sanz https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A partir de piezas de lenguaje propias y ajenas (KOP, Luz Pichel, Rimbaud, Delta 9, Daniel Durand, Hélio Oiticica, Fernanda Laguna), En sí del no se interroga por la posibilidad de una relación entre poesía e insurrección, fuego e imagen poética, más acá de la analogía de ambos como acontecimientos de transformación de la comprensión del orden (semántico o político) dado, dentro de una genealogía de la negación que bien podría arrancar en la Comuna de París para llegar al primer cuarto del siglo XXI perforada por las disrupciones del feminismo, tentativamente empujando la noción de “escritura expandida” hacia el mundo entendido como molde y desmolde expresivo del lenguaje en que se emitan poemas y disturbios.
escritura expandida, insurrección, poesía, feminismo, lenguaje
Derechos de autor 2025 María Salgado https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El arte como contraverdad: Intersecciones entre inteligencia artificial, prácticas artísticas y epistemologías contemporáneas
Este ensayo analiza la reconfiguración contemporánea del concepto de verdad en un contexto marcado por la inteligencia artificial (IA) y las estructuras neoliberales. Para ello se adopta un enfoque interdisciplinar, combinando teorías críticas como las de Nelson, Wittgenstein, Brown y LaViers, que nos permitan realizar un análisis contemporáneo sobre el impacto de la IA en la sociedad y el arte. Asimismo, se muestran algunas prácticas artísticas que se encaminan en este sentido como las de Stephanie Dinkins o Vladan Joler y Kate Crawford. La investigación se enfoca en los cambios epistemológicos y culturales provocados por la aceleración digital y el neoliberalismo, observando cómo la verdad es cuestionada en el arte. Los hallazgos nos permiten identificar la conversión de la verdad en un objeto mercantilizado, controlado por las dinámicas neoliberales, con la IA como actor central en este proceso. Se discute el papel del arte como espacio de resistencia frente a la manipulación de la verdad. Finalmente, se aboga por un enfoque ético (digital) de la IA que promueva el pensamiento crítico.
Inteligencia Artificial, Verdad, Feminismo, Arte, Sociedad, Amy LaViers, Stephanie Dinkins
Derechos de autor 2025 Livia Daniel https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La cuestión de lo que sea pensar ha sido central en la filosofía desde sus orígenes y lo sigue siendo en la actualidad con una evolución que va desde la primacía del pensamiento conceptual hasta la creciente relevancia del pensamiento visual en la era contemporánea. El autor propone una reflexión sobre la necesidad de expandir nuestra concepción del pensar, incorporando formas no discursivas. Las crisis contemporáneas evidencian la necesidad de pensar de otras maneras. Entre ellas hay que reivindicar la importancia de los modos del pensar estético, reconociendo que el pensamiento se manifiesta más allá de los conceptos y las palabras. Se exploran las diferencias entre “pensar sobre”, “pensar en” y “pensar con” imágenes. El autor define “pensar con imágenes” como la creación de una unidad inseparable entre imagen y concepto, un “iconotexto”. Como ejemplo precursor se analiza la obra de Salvador Dalí, especialmente su libro “El mito trágico del Angelus de Millet”, como un prototipo paradigmático de esta forma de pensamiento. Dalí, a través de su obra, demuestra la capacidad de pensar sobre, pensar en y pensar con imágenes, tejiendo un complejo discurso visual y textual. Se plantea la posibilidad de que Dalí sea un precursor de nuevas formas de expresión filosófica, acordes con la cultura visual contemporánea. Finalmente, se reflexiona sobre el potencial de la filosofía para incorporar el “pensar con imágenes” en su práctica, siguiendo el ejemplo de autores como Bataille y Foucault.
Derechos de autor 2025 Gerard Vilar https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La música in(visible): Música, sinestesia, abstracción y compositoras
“La música in(visible)” es un proyecto artístico interdisciplinar que explora la relación entre la música y el arte visual a través de la sinestesia y la abstracción. El proyecto, desarrollado por la artista Andrea Lerma Casany en colaboración con la musicóloga Inmaculada Martínez Ayora, culminó con una exposición que presentó pinturas ligadas a la abstracción inspiradas en obras de ocho compositoras desde el siglo XVI hasta el XX. Basándose en las investigaciones previas de Lerma sobre la sinestesia en compositores como Olivier Messiaen y las teorías del color de Wassily Kandinsky, la exposición combinó la pintura tradicional con elementos digitales, permitiendo a los visitantes escuchar las piezas musicales mientras observaban las obras resultantes. El proyecto, expuesto en el Museu de la Rajoleria de Paiporta (Valencia) en marzo de 2024, demostró el potencial de los enfoques interdisciplinares para hacer la música clásica, en concreto la de compositoras, más accesible al público general. El enfoque innovador del proyecto para presentar obras de compositoras a través del arte visual ha generado interés por parte de instituciones académicas y ha abierto nuevas posibilidades para la apreciación y educación musical.
Derechos de autor 2025 Inmaculada Martínez Ayora, Andrea Lerma Casany https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Music from Somewhere (Fran MM Cabeza de Vaca, 2017-2019) es una obra para manos de pianista, luces y electrónica que explora el silencio, la memoria y la gestualidad como materiales sonoros. La ausencia del piano físico convierte el cuerpo de la intérprete en un mediador entre sonido, luz y espacio, desplazando el foco desde la emisión sonora hacia el pre-gesto: ese estado perceptivo previo al movimiento visible. De este modo, el cuerpo de quien interpreta la pieza se entiende como transductor en el sentido simondoniano: un agente que modula energías y produce transformación. Así, la pieza se examina como práctica de hibridación e intermedia. Su hibridez no deriva solo del uso tecnológico, sino de la fusión cognitiva, estética y corporal entre medios heterogéneos (luz, memoria, gesto, sonido). Desde la perspectiva intermedial —tras Higgins y Citton—, la obra propone habitar un espacio “entre” los medios, en un estado de in-mediatez que confunde límites entre cuerpo, técnica y memoria. La obra desplaza así la tradición pianística hacia un territorio performativo donde percepción, tacto y recuerdo confluyen en una experiencia compartida entre intérprete y público, haciendo visible la dimensión corporal, temporal y sensorial de la música ausente.
Derechos de autor 2025 Haize Lizarazu, Carmen Pardo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
¡Que nadie se mueva! Sin televisión no hay nación
En este ensayo mostraremos el ensamblaje social y político que posibilitó el primer satélite mexicano llamado Morelos I y que marca, de manera simbólica, la entrada de México a la era neoliberal y el empoderamiento de Televisa como productora de la visualidad hegemónica nacional. Mediante un breve repaso contextual ubicaremos algunas de las paradojas simbólicas, políticas, económicas, materiales y tecnológicas que impulsaron y posibilitaron la existencia del Morelos I durante sus ocho años de vida. A partir de esto, proponemos una exploración a través de cuatro tópicos que posibilitan mirar los entramados del Morelos I. Primero: el deslumbramiento mediático que corresponde a la cultura audiovisual que formó la identidad de una nación. Segundo: la irradiación política, cuya magnitud produjo un disgusto social generalizado gracias a las decisiones tomadas por el gobierno en turno. Tercero: la sombra económica bajo la cual fue financiado el proyecto que, con una enorme inversión hecha para la compra de los satélites, no cubrió nunca la estructura tecnológica necesaria en tierra. Finalmente: la lejanía y oscuridad tecnológica con la que operan este tipo de dispositivos, que los convierte en objetos inentendibles y poco descifrables, invisibilizándolos para la mayoría de la población.
Derechos de autor 2024 Ilana Boltvinik, Rodrigo Viñas Miranda https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Nos repartimos imágenes entre humanos teniendo como testigxs a las máquinas, la biosfera y a las piedras.
Si algo caracteriza al giro ecológico impreso en Para una ecología de las imágenes de Peter Szendy (Shangrila ediciones, 2023) es una administración de las palabras: en su brevedad, en anécdotas que se hacen ensayo y luego teoría; en su afición a los neologismos (muchos en realidad arcaísmos revitalizados), Szendy recicla y junta palabras, les da un nuevo sentido y las echa a circular de nuevo.
Derechos de autor 2024 Mauricio Patrón Rivera https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cuéntame más… Imagen y (me)mediación cultural
En este ensayo reflexiono acerca de las zonas de contacto entre arte y memes. Además de analizar casos en los que el arte adopta la lógica y estética memera, el texto recorre brevemente algunos momentos clave en la historia de los memes de Internet. También he elaborado un relato, siempre parcial, sobre la exposición #ElMemeEstáEnLaTrienal!, que curé en 2015 dentro de la 4ta Bienal Poli/Gráfica de San Juan, América Latina y el Caribe. Algunos de los temas que se discuten a la luz de aquella experiencia son las guerras culturales, el activismo digital y la brecha tecnológica.
Derechos de autor 2024 Diana Cuéllar Ledesma https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Imagen, cuerpo, política: una conversación con Alejandra Castillo
El interés por dialogar con Alejandra Castillo parte de la siguiente inquietud inicial: ¿Qué nos puede decir la pregunta por la práctica de la filosofía sobre el uso y construcción de las imágenes? ¿De qué manera la producción social de imágenes podría poner en crisis la propia práctica filosófica? Me parece que ahondar en el trabajo de Castillo es una oportunidad para tejer esos puentes entre la forma en la que la filosofía ha construido un modo de ver y la producción y circulación de imágenes ligadas a una matriz de pensamiento masculinista. Me ha interesado particularmente la manera en que Castillo piensa las imágenes a partir de interrogar un orden androcéntrico de la filosofía o, dicho de otro modo, de cómo la manera en que se construye la mirada está estrechamente relacionada con cómo definimos las categorías del mundo desde un orden androcéntrico propiciado, entre otros elementos sociales, por la práctica filosófica que prioriza la razón sobre el cuerpo y la materia, excluyendo otros cuerpos y experiencias disidentes.
Derechos de autor 2024 Tania Valdovinos Reyes, Alejandra Castillo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Agotar la mirada. Las interfases de las imágenes en los videoensayos “My Mulholland” (J. McGoff, 2020) y “Watching The Pain of Others” (L. Galibert-Laîné, 2018)
Este ensayo explora las transformaciones en nuestros modos de ver imágenes y sus implicaciones para la cultura visual contemporánea. Se propone repensar la relación entre la mirada, la materialidad de la imagen y las posibilidades de la imaginación. En lugar de simplemente buscar nuevas formas de mirar, este texto plantea detenerse en la materialidad de las imágenes y sus remediaciones para estimular el potencial de la imaginación. Se pone en cuestión el lugar central que la mirada tiene en los estudios visuales para desde ahí aproximarse críticamente a las imágenes, particularmente cuando lo que está en la imagen es un cuerpo de mujer. Para ello, se analizan dos videoensayos, My Mulholland (2020), de Jessica McGoff, sobre los miedos de ver la película Mulholland Drive (2001), de David Lynch, como una mujer preadolescente; y Watching The Pain of Others (2018), de Lého Galibert-Laîné, un diario visual a través del cual se intenta dar sentido a una fascinación por otra película, The Pain of Others (2018), de Penny Lane. Ambos videoensayos están intentando recuperar una obra fílmica que ya existe y remediarla, es decir, volverla a meter en el medio, introduciendo la mirada en la propia imagen. Estos videoensayos críticos ponen en cuestión el mirar desde las interfases de sus imágenes, entendidas como sitios de contacto o límite material entre dos medios. Es desde ese lugar que pueden abrirse las posibilidades a una imaginación que agota la mirada.
superficie, interfase, remediación, imaginación, videoensayo
Derechos de autor 2024 Edwin Culp https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Expresión y apreciación artísticas: un libro educativo de Juan Acha para la mediación de las artes
En el presente artículo se analiza el libro Expresión y apreciación artísticas, desarrollado por el crítico y teórico del arte Juan Acha (1916-1995), para identificar las estrategias de este proyecto de mediación educativa en México. La estructura del texto enuncia, en primer lugar, la postura pedagógica de Acha para enfatizar su apuesta por estudiar críticamente el sistema artístico en su totalidad, desde la producción hasta la distribución y consumo de las prácticas creativas. En segundo lugar, describe brevemente el contexto político en el que se gesta el diseño del libro, amparado por las reformas que condujeron a México a las dinámicas neoliberales en todos sus sectores. En tercer lugar, analiza la estructura y composición visual del libro educativo para evidenciar la tensión existente entre el pensamiento crítico de Acha y las demandas de las reformas neoliberales que fue necesario expresar en los libros de texto escolares. Como consideraciones finales, se destaca que, a pesar de sus contradicciones con el trabajo más crítico y político de Acha, el libro constituye un valioso experimento para plantear la expresión y la apreciación artísticas desde una perspectiva no exclusiva de voces autorizadas, brindando herramientas a un público joven y no especializado para que desarrollara su propia sensibilidad y se apropiara de las prácticas estéticas de su entorno.
libro educativo, pedagogía, arte, México
Derechos de autor 2024 Minerva Salguero Gómez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Las artes en la intersección. Hibridaciones y propuestas intermediales en el arte actual
Desde hace unas décadas (y especialmente en la era digital) encontramos ejemplos de diferentes artes que intentan ampliarse desbordando los límites que las disciplinaban. En este sentido, nos encontramos con una serie de propuestas que solo se entienden desde la hibridación formal, es decir, que ya no encajan como desviaciones de una categoría (poesía visual, arte conceptual, etc.), sino que se constituyen como tal. Esto supone un reto teórico e institucional para acoger y comprender los límites, alcance y derivas de las disciplinas artísticas. En este sentido, se propone no solo la revisión formal y lingüística de las artes, sino también los modos de producción y rol de la persona creadora, de la conservación de proyectos y obras o la modificación de la percepción y despliegue de la imaginación a partir de modos críticos de pensar lo visual.
hybrid arts, intermediality, digital culture, intermateriality, multimediality
Derechos de autor 2024 Marina Hervás https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Remediaciones de la imagen: audiovisualización y (des)apropiaciones de la historia del arte y la cultura visual
La aparición en 1972 de la serie de televisión Ways of Seeing, y del posterior libro homónimo, supuso una intervención radical en los relatos canónicos de la historia del arte que se convirtió rápidamente en un proyecto tan admirado como criticado. Más de cincuenta años después, Ways of Seeing sigue despertando interés por las irreverentes estrategias que implementó: remediación y montaje de imágenes, escrituras colaborativas, modos de (des)apropiación y otras formas no lineales de narrar la historia del arte desde experiencias situadas críticamente. Si bien estas características posicionaron a Ways of Seeing como una referencia crucial en el ámbito anglosajón, en el contexto hispanoparlante esa influencia parece no haber tenido la misma amplitud. Para contribuir al debate en torno a la relevancia y vigencia de Ways of Seeing, el séptimo número de Umática integra un conjunto de reflexiones sobre distintas remediaciones de las imágenes, especialmente desde América Latina y España. Se trata de investigaciones a partir de ejercicios y experimentos que esquivan la arquitectónica conceptual e institucional de la autoría, la propiedad, la obra genial y la mirada masculina, entre otras características propias del canon de la historia del arte occidental. Para abordar la remediación de las imágenes desde esta particular perspectiva, hemos situado el debate en torno a dos nociones fundamentales: la audiovisualización de la historia del arte y la (des)apropiación de la cultura visual. Como procesos complementarios, estas nociones operan transversalmente a lo largo de las distintas discusiones de este monográfico. A la estela de Ways of Seeing, se reúnen aquí trabajos que desbordan los acotamientos disciplinares y dan cabida a enfoques como la filosofía política de la imagen, posicionamientos desde los feminismos, reflexiones en torno a las ecologías audiovisuales, reconceptualización de archivos, iniciativas de pedagogías críticas y otras perspectivas teórico-metodológicas que, desde su hibridez, se aventuran en los distintos experimentos abiertos por los procesos de audiovisualización de la historia del arte y (des)apropiación de la cultura visual. No se trata de un homenaje ni de una revisión exhaustiva de Ways of Seeing, sino de sus posibles remediaciones, contradicciones y desajustes, a más de cincuenta años de su aparición y en latitudes que sobrepasan su marco de origen.
Derechos de autor 2024 Renato Bermúdez Dini , Marilyn Payrol Morán, Alma Cardoso Martínez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
S-colpire, des-golpear: Desesculpiendo la figura femenina
Con el fin de construir, afianzar, legitimar y reproducir el sometimiento de las mujeres se conjugan discursos y prácticas de muy diversa índole; desde la violencia física ejercida con toda su brutalidad sobre sus cuerpos y vidas hasta los más seductores y alambicados ingenios. La presente investigación se centra en la relación entre la estatuaria clásica y la iconografía propia de las revistas de moda destinadas al público femenino, a fin de rastrear el peso que representa para las mujeres el mandato y el ideal de belleza desde la antigüedad hasta nuestros días, señalando en su silenciosa y constante presencia, una función análoga a aquella de las cariátides en el sostén del edificio del orden heteropatriarcal. Nuestro objetivo se podría sintetizar en el recurso lingüístico aplicado al verbo italiano scolpire (esculpir), al separar mediante un guión la “s” inicial, ejecutando un juego de palabras que descubre otro verbo en su interior: colpire (golpear). Dado que en italiano la letra “s” al inicio de una palabra puede tener un valor privativo (como en castellano la sílaba “de” o “des”), la idea que se busca sugerir es la de “des-golpear”, es decir, dar la vuelta, revertir, desbaratar, deshacer esa violencia.
Derechos de autor 2024 Elo Vega https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Transmisión y distancia: Descubriendo la colaboración y circulación de imágenes a través del fax
La llegada del fax revolucionó el arte y proporcionó nuevas vías para la expresión, la comunicación y la investigación artística. Dio lugar a un grupo de artistas, principalmente pertenecientes a los movimientos artísticos del Mail Art y el Copy Art, que exploraron el fax para enviar obras creadas, principalmente, partiendo del lenguaje xerográfico de las fotocopiadoras, entre finales de 1970 y principios de 1990. El fax se utilizó no solo como una herramienta artística, sino para buscar nuevas estrategias de colaboración y circulación del arte. Esta forma de producción, colaboración y distribución generó el lenguaje gráfico de las imágenes pobres en los intercambios con fax. Estas imágenes presentan baja resolución, degradación, distorsión, ruido y deterioro de la imagen, elementos del lenguaje gráfico inherente a la especificidad del fax. El objetivo de este artículo es explorar las estrategias colaborativas con el fax para destacar el lenguaje gráfico resultante, así como el valor para el arte y la circulación de imágenes. Se examina cómo la colaboración ha sido central en el desarrollo y la difusión de éstas, ya que tanto emisor como receptor se necesitaban en el proceso. Para ello, la investigación se basa principalmente en los materiales originales y la colección de fax del Museo Internacional de Electrografía - Centro de Innovación en Arte y Nuevas Tecnologías (MIDECIANT) en Cuenca, España, que fue un centro pionero en la investigación de nuevas tecnologías durante los años 90, incluyendo las prácticas con fax.
Transmisión, Colaboración, Lenguaje gráfico, Fax, Fax Art
Derechos de autor 2024 Beatriz Escribano Belmar https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El asalto televisivo a la historia del arte. Modos de ver en la disputa por la propiedad intelectual de las imágenes del arte
Este artículo parte de la escasa recepción crítica en castellano de la serie documental y el libro Ways of Seeing (WoS, 1972) y se aparta de las interpretaciones preponderantes anglosajonas para argumentar que su relevancia no se debería tanto a su temática como a haber retado la propiedad de las obras de arte y la autoridad académica mediante el asalto audiovisual al canon artístico. A diferencia de otras propuestas, WoS no habría recurrido a la televisión para afianzar el relato académico del arte, sino que habría encontrado en la mediación audiovisual la posibilidad de desligar sus imágenes de la autoridad de los expertos y la propiedad de las élites para favorecer experiencias heterodoxas. Esto se sustentará a) reconstruyendo el argumento que se ofrece en WoS respecto a cómo la audiovisualización cuestionaría la propiedad y autoridad de las imágenes del arte; b) relacionando su invitación a asaltar el canon artístico con los debates posteriores a 1968 en el trabajo de Hans Magnus Enzensberger, Oskar Negt y Alexander Kluge; y, c) inscribiendo WoS en un intento más amplio de conformación de una contraesfera pública que disputaría el orden legal y material de la “propiedad intelectual” que regulaba las mediaciones audiovisuales en el periodo.
John Berger, Hans Magnus Enzensberger, Oskar Negt, Alexander Kluge, Propiedad intelectual
Derechos de autor 2024 Alberto López Cuenca https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0